Críticas cinéfagas (lo de cinéfilos es de gafapastas)

Por petición expresa del tío negocios, abro este tema donde pondremos nuestras críticas de cine sobre pelis que hayamos visto recientemente.
Espero sinceramente que este no sea un monotema donde yo de la brasa con cualquier peli y que participe todo el mundo y que no os aburráis a la tercera crítica que cuelgue, porque tengo una forma de escribir muy similar.
Sí que os pediría que os extendiarías un poco en el comentario, con sus pros y sus contras etc, los comentarios breves y jocosos los dejamos para el tema de últimas pelis vistas. Creo que no soy quién para deciros cómo se hace una crítica, porque la puede hacer cualquiera. Esto son opiniones subjetivas, siempre razonadas, no crítcas del puto Dirigdo Por.
Ahora, vamos con las calificaciones (siempre las he hecho de 0 a 10) con lo que vale cada una. Sólo por hacer el chorra.

10 La puta hostia del cordero lechal de Cristo
9 Acojonante, tiiiiiiiiiiio
8 Secagalaperra
7 Vamos ahí!!!
6 Los Dioses del Valhalla te guían por el buen camino
5 La próxima vez tendrás un descenso a los infiernos
4 Te has esforzado colega, peeeeeeeeeeeero
3 Mala con avaricia
2 Pútrida
1 Lamentable, por no decir nefasta
0 Truño de proporciones bíblicas

Bueno, en el siguiente abriré yo fuego. Espero que esto se anime, sino, le echáis la bronca al farty- party

ROCKNROLLA

EL ESTILO RITCHIE

RocknRolla es el último y esperado trabajo del direcor británico Guy Ritchie, un cineasta que se labró un nombre en el cine con sus dos primeras obras, Lock & Stock y Snatch.
Tras las duras críticas cosechadas por sus dos siguientes trabajos tanto de crítica como de público (Revólver no parece que haya triunfado en su reestreno) Ritchie recupera el espíritu de sus dos obras cumbres, para volver a congraciarse con sus fans.
Su estilo es muy definido: un cóctel de variopintos personajes de los bajos fondos de Londres. En este film, nos encontraremos con magnates rusos (esa parodia de Abramovich) capos, matoncetes de poca monta, rusos sádicos, un concejal estúpido y una mujer de armas tomar. Más o menos un poco de lo mismo pero con otras caras y otros matices, con un trasfondo actual como es el pelotazo inmobiliario.
La película es un buen conjunto de historias paralelas, rodadas con estilo videoclip, de ágiles diálogos, humor, drogas, alcohol, gangsters y dosis de violencia. Es una cinta marca de la casa, sin apenas cambios. Algunos señalan que el estilo de Ritchie se agota, que no puede ni sabe evolucionar, pero volver a los viejos tiempos es algo que muchas veces resulta necesario en el mundo de las artes.
Bien es cierto que a pesar de contar con grandes escenas (la persecución de los rusos, los bailes, las revelaciones homosexuales descacharrantes) no tiene momentos tan inolvidables ni frases tan brillantes como en otras obras. Y sus personajes aun siendo buenos, no poseen esa enorme fuerza que hacían que el público se entusiasmara con ellos.
Un aspecto oscuro en la cinta, es el tema de la estrella del rock. Es evidente la crítica de la estrellita, del músico que se cree mejor que nadie y que está endiosado. Pero es que el personaje es un pringadete de rock moderno que da bastante pena, que no representa al rock ni a la buena música por ningún sitio.
En cuanto a las actuaciones, destacar a Tom Wilkinson, ese capo que controla Londres, histriónico, duro de mollera y un poco despistado. Mark Strong como su esbirro. Con ese look a lo Andy García, tenemos a un personaje inteligente, duro, que controla todos los movimientos de los demás. Una actuación brillante la de Mark Strong, un actor al que habrá que tener muy en cuenta. Y terminamos con Gerard Butler. Es el clásico matoncete del tres al cuarto, duro pero inseguro, amigo de la juerga y de la jarana.
Rocknrolla es la vuelta al buen cine que encumbró a Ritchie, una cinta notable, con una fórmula que no está acabada porque ha dejado un tiempo en volver a ella, pero es posible que el ingenio y el encanto del director de Snatch se terminen esfumando. Esperemos que no sea así.

8 (secagalaperra)

Kagamusha, La sombra del guerrero.

Antes de la critica dos mensajes para el don, primero, gracias por hacernos caso y abrir este tema, y segundo, perdona por haberme visto la peli sin ti, pero es que ya no me aguantaba. Y a ver si aprendes del tio Sephi y pones algun clasico, porfi.

Sin mas dilacion, me gusaria compartir la impresion que me ha causado esta gran pelicula, un regalo del maestro Akira Kurosawa.
La historia trata de un poderoso caudillo, que durante las guerras feudales del siglo XVI, es herido de muerte en batalla y, ordena a sus hombres que le busquen un doble y así evite que sus enemigos ataquen aprovechando el momento de debilidad. Así aparece un pequeño delincuente, que debe simular ser un gran lider y comandante de una fuerza de 25.000 samurais.

Partiendo de este hecho nos encontramos con un film que creo sin lugar a dudas que es un drama épico, donde en un guion absolutamente quijotesco, la figura del heroe solitario y la del esfuerzo en grupo son elevadas a la misma categoria. No apta para la gente sin gusto por las historias amargas y sobre todo poéticas (es una licencia que se permite, pero no se me ocurre mejor apelativo para un combate entre arcabuces y lanzas), donde una fotografia muy colorida, pero gelida y tambien muy gris nos traslada y acompaña a una historia bella y triste de contrastes entre escenas rápidas de batalla y otras lentas para mostrarnos dramas o explicaciones.

El apartado tecnico es un cacho de 10, y aqui creo que se nota el verdadero valor de Kurosawa, por que si bien la pelicula puede gustar mas menos, el apartado tecnico es buenisimo, y por ejemplo, el entierro del señor o las batallas, me parecen de muy buen gusto.

Como colofon, una pequeña reseña al apartado sonoro, con una banda sonora.... tal vez podria calificarse de melancolica, tal vez mas apta para el derrotado que para el vencedor; y otra para George Lucas y para Francis Ford Coppola que la han producido.

Conclusion: esta es una pelicula que te gusta o no te gusta, muy bien hecha , si, pero si se mira friamente le falta ese nervio que demuestra en otras peliculas, asi que aunque me haya encantado tengo que ser sincero, me esperaba mas.


7 Vamos ahí!!!

lo se de sobra, es una critica muy confusa y a veces parece que me contradigo, pero es dificil criticar miestras ves gundam
Se sienteeeee!!!!!!!!

No es que sea contradictoria, sephiroth, lo que pasa es que la alabas todo el rato y terminas con una conclusión en la que le bajas la nota. Yo es que siempre pongo los datos positivos y negativos antes de la conclusión. Simplemente son formas diferentes de entender el cine.
Estoy seguro que la peli rebosa de la poesía clásica de Kurosawa...

BRAINDEAD

VIVA EL GORE Y LA SERIE Z!!!

Braindead es una auténtica obra maestra que todo buen cinéfago debería ver y tener en los altares del cine.
Tras las no menos extraordinarias Bad Taste y Meet The Feebles, Peter Jackson culmina su trilogía sagrada de serie Z y gore con esta fabulosa Braindead.
Se nota que el neozelandés tiene más medios y consigue que la película no sea tan cutre como las dos anteriores, aunque sin perder ese toque fresco que da la mala realización.
La historia está llena de auténticos momentazos que se pueden resumir de la siguiente forma: un monstruo realmente horrible como es el monorata; sexo entre zombies; homenaje contínuo a Psicosis; toques de Posesión Infernal y La Noche de los Muertos Vivientrs; el bebé zombi que siempre se está partiendo el culo; situaciones delirantes como la escena del plato de natillas; o la ya legendaria escena que todos recordamos: tú madre se ha comido a mi perro... no todo!! Esto sólo lo puede hacer un genio.
Con un elenco de personajes impresionantes empezando por Lionel, un chico que está obsesionado con su madre; Paquita, una gran Diana Peñalver (me encanta su voz de chiquita pobre de la vida) que es un poco paleta y muy inocente. La transformación de la madre en monstruo; el tío obsesionado con las mujeres; el cura que lucha en plan Mortal Kombat; el científico loco; la abuela de Paquita metida de lleno con el mundo del espiritismo y hasta un cameo del propio Peter Jackson.
Braindead es un clásico indsipensable de la serie Z, una auténtica casquería que es una gozada que rebosa humor negro por todas partes y harán que te rías como nunca has hecho en tu vida, y lo mejor de todo: un final de unos treinta minutos completamente apocalíptico y antológico, la catársis zombi final.
Sólo los que disfrutamos de un género como éste, podremos considerarla una obra maestra, al resto le parecerá una auténtica tomadura de pelo. Es la diferencia entre cinéfago y cinéfilo.

10 (La puta hostia del cordero lechal de Cristo)

IMPACTO SÚBITO

GO AHEAD. MAKE MY DAY.

Impacto Súbito es la cuarta secuela de la saga de Harry Callahan, ésta vez dirigida por Clint Eastwood, que realiza una dirección completamente oscura.
En este film, Eastwood no pretende hacernos reflexionar sobre la sociedad como en las dos primeras entregas, o contar una historia dura como en sus obras como director. Su intención es volver a mostrar a un Harry como el de la primera entrega: un bastardo que se mueve entre el bien y el mal y que no tiene ningún tipo de escrúpulo. Endurece aún más si cabe al personaje, contrarrestando los intentos por suavizarle de las dos anteriores entregas. Y el cambio era necesario, porque es Clint Eastwood el que comprende perfectamente la psicología del personaje, sin dejar concesiones a la dura crítica que lo tildaba de fascista y reaccionario.
El argumento es sin duda lo de menos, una historia más de venganza de una mujer que ha sido violada y la investigación de Callahan. No interesa, simplemente es una mera excusa. Lo fundamental es Harry. Se muestra a un hombre maduro, oscuro, que tiene unos principios férreos y un concepto de justicia más que discutible. Por lo tanto, la película es el lucimiento puro del personaje: unas escenas de acción impecables especialmente las de la primera hora (y el oscuro final, por supuesto), más muertes, sangre y violencia por doquier y más frases míticas. Porque lo primero que suelta nuestro inspector favorito, es un monólogo en donde compara a la vícitma con una mierda, que rebosa de humor negro y cinismo. Y esa frase antológica, por la que ha pasado a la historia: Alégrame el día. Simplemente, es un alarde de dureza, de clase, de cinismo, del tipo duro absoluto que solamente Clint es capaz de interpretar.
También hay que destacar la inclusión cómica del perro (que también es un jefe) y que encima se llama Mentecato. Y, por supuesto, esa música ochentera del genial Lalo Schiffrin, pieza fundamental de la saga.
No llega a la perfección porque los secundarios no son nada del otro mundo ni hay una historia apasionante. Pero el giro que da al personaje es el correcto, que resulta necesario.
Por eso, Impacto Súbito resulta perfecta para los fans de la saga y de Clint, sólo superada por la suprema primera entrega.

9 (Acojonante, tiiiiiiiiiiiiiiiiiio)

TORPEDO

LOS INFERNALES ESTRECHOS DE BUNGO

Torpedo es una correcta película de submarinos de la Segunda Guerra Mundial y que su principal mérito es que es una de las pioneras en este subgénero.
En el film, predomina la acción naval sobre los personajes y eso es algo en su contra. No es que las escenas de acción estén mal rodadas ni nada por el estilo, al contrario, están bastante bien teniendo en cuenta la época en la que se rodó, con un final cargado de tensión, pero está poco exprimida. Hay una cierta tensión al principio de la cinta por el cambio de capitán a última hora y eso sólo se nota en alguna situación difícil y a la hora del mencionado cambio. Hubiera sido interesante ver cómo convivirían un grupo de hombres en un clima hostil, con más disputas y tener que enfrentarse a un enemigo unido. Pero en un producto con dos superestrellas en el reparto lanzado para recaudar taquilla, no se puede esperar un gran desarrollo psicológico de los personajes.
El duelo interpretativo entre Clark Gable y Burt Lancaster se limita sólo a las escenas en las que están solos y tienen discusiones, sin duda el mejor punto del film, que se me antoja escueto porque la acción es la parte principal del metraje. Ambos están bien, cada uno con su forma de entender la guerra (el primero parece un lunático y el segundo algo más sensato) pero no son, ni por asomo, sus mejores interpretaciones.
Eso sí, sentó catédra en cuanto al diseño del interior del submarino, con un lenguaje marino que resulta técnico y ameno a la vez.
Torpedo es una buena película de acción bastante entretenida, pero que partía de una base que podría haber sido más interesante.

6 (Los Dioses del Valhalla te guían por el buen camino)

Segumos dando la chapa:

LA CRUZ DE HIERRO

EN LA GUERRA IMPORTAN LOS HOMBRES

La Cruz de Hierro es la única incursión en el cine bélico que nos dejó el maestro Sam Peckinpah.
La historia se narra desde un punto de vista de un grupo de soldados nazi, lo que le hace diferente a la mayoría de películas del género, que siempre ensalzan alguna hazaña de los aliados. Ahí se nota sin duda la mano del tío Sam. Poco o nada importan los ideales nazis en esta cinta, donde son criticados lo justo, sino los hombres. Los soldados que van a luchar a la guerra y aún no saben muy bien por qué. Unos por gloria, otros por honor y otros porque realmente no saben hacer otra cosa que luchar. Peckinpah se encarga de desmitificar (como en todas sus películas) todos los tópicos. Ésta vez le toca el turno a los soldados nazis. No los presenta como unas simples máquinas de matar que combaten por unos ideales estúpidos, sino como personas. Tipos que tienen un gran sentido de la amistad. De la lealtad. De la lucha por la supervivencia. Del trabajo. De hombres que creen que la guerra es algo absurdo y que les han metido allí por la fuerza. Que creen en un mundo mejor. Y que tienen una forma de ver la justicia muy particular. Son hombres rudos, que viven en las trincheras, sucios y que están cansados de luchar en una guerra eterna. Y que saben que van a perder. Ahí está la grandeza de Peckinpah. Que sin tener un guión precisamente brillante con una historia impactante, sabe dotar a sus personajes de una fuerza impresionante, desarrollados al milímetro, y con su humor negro.
En cuanto a las escenas de acción, hay algunos peros. La planificación de las batallas es excelente, con una enorme crudeza, mucha sangre y una violencia explícita marca de la casa. Pero, quizá debido al bajo presupuesto o a los excesos, Peckinpah abusa de la cámara lenta. En cada secuencia de cada escena de acción hace uso de ella. No resulta necesario y además es demasiado cargante. La cámara lenta del film no posee la épica ni el dramatismo de otras obras suyas como Grupo Salvaje, salvo, claro está, en el grandioso final de desconcertante conclusión.
En cuanto a las interpretaciones, al margen de las buenas actuaciones de James Mason y David Warner, destacan dos por encima del resto. Grandioso Maximillian Schell. Un aristócrata que se cree por encima del resto. Un hombre al que le importa muy poco no ya la guerra y su resultado, sino los hombres que tiene alrededor. Sólo quiere tener gloria, conseguir la ansiada cruz de hierro para poder pasearse por la entonces Francia ocupada con orgullo. Un tipo odioso y cobarde, que repugna con sus estupideces.
Y claro está, luego tenemos a James Coburn. Una actuación sublime. Un sargento rudo, cansado de la guerra pero que no sabe ser otra cosa que un sargento, de métodos más que cuestionables, con un sentido de la justicia y del deber muy marcados. Es un tipo duro en toda regla, pero que es respetado y querido por su batallón, un tipo que ha sabido imponer en orden en sus tropas, pero que a la vez les tiene un enorme aprecio. Su verborrea es grandiosa, pronunciando frases lapidarias a la menor oportunidad que tiene. Genial, como siempre, James Coburn.
La Cruz de Hierro es una más que notable cinta anti-bélica que, con un guión mejor, mayor presupuesto y un montaje que no estuviera fragmentado (las productoras nunca respetaron a este director, pero esa es otra historia) hubiera resultado una obra maestra incontestable del género. Es una lástima también que sólo sea la única de esta temática que nos regaló el genio Peckinpah, porque madera tenía para ello. 8,5.

LA MUJER PANTERA

NO ES TAN FIERA COMO LA PINTAN

La Mujer Pantera es una película floja de Jacques Tourneur, un hombre muy curtido en la serie B.
La película es supuestamente un relato oscuro, lleno de terror y de suspense. Y de eso tiene más bien poco. Trata de sugerir mediante insinuaciones que algo terrible se oculta tras la apariencia de la protagonista, que nunca se muestra. Pero es que esas insinuaciones, resultan muy pobres. Puede que sea por el bajo presupuesto (que se nota y mucho) o porque ha envejecido muy mal, o porque los actores son más bien de medio pelo. Es una cinta con un punto de partida interesante, pero que se pierde en diálogos completamente vacíos, que llegan hasta el aburrimiento, y que logran que la historia pierda todo el interés. No se palpa una atmósfera opresiva, no provoca malas sensaciones ni inquietud en el espectador, más bien indiferencia. Y eso es algo bastante grave para una película de suspense-terror.
Los actores son mediocres. Un marido que no sabe qué hacer, su amiguita que está enamorada y el médico pervertido que resulta no cómico, sino absurdo por lo penoso de su actitud. La gatuna Simone Simon fue bien elegida para interpretar el papel, pero aún así no engancha. Ni es fiera, ni es perversa, ni se nota en su actitud, ni tiene frases lapidarias que te dejan en el sitio. Unas insinuaciones que no conducen a nada. No llega ni por asomo, a la altura de esa colección impresionante de las femme- fatale del cine negro, porque ni la temes ni se hace respetar.
En su favor, decir que la dirección de Tourneur es excelente. Sabe sacar provecho de un bajo presupuesto para rodarla con estilo, manejando bien la cámaras, con ese toque de cine negro (que no de las femme-fatale del mismo) inconfundible. Además, posee una fotografía excelente con los clásicos claroscuros.
Y, sin duda, rescatar ese par de escenas inolvidables. La de la piscina, con ese toque onírico distorsionando la pantalla y la visión del espectador, llena de suspense. Y la mítica de la persecución prácticamente a oscuras con el sonido de los zapatos de tacón. Quizá la resolución de esa secuencia no haga justicia al conjunto de la escena, que es excelente.
Con más momentos como los dos mencionados, hubiera llegado no sólo a un aprobado, sino a una nota mucho mayor. Pero el resto de la cinta es bastante pobre, por eso La Mujer Pantera se lleva el suspenso.

4 (Te has esforzado colega, peeeeero)

Voy a poner dos, a ver si así se anima la peña...

EL SARGENTO NEGRO

EL PREMIO DE WOODY STRODE

El Sargento Negro es un excelente "western judicial" del maestro John Ford.
Se trata una vez más, de una película antiracista, en la que el maestro desmitifica a su tan querida caballería y vuelve a dejar claro a sus detractores que no es ni mucho menos un reaccionario fascista. En esta ocasión, Ford utiliza el drama judicial como base para lanzar un mensaje en favor de la raza negra. Combina a la perfección los momentos en la sala de juicios con flas-backs que nos muestran los hechos sobre los que se basa el juicio.
El Dios del western deja un poco de lado su costumbre de realizar enormes planos exteriores del legendario Monument Valley (que los hay) para dar rienda suelta a los planos interiores, mucho más oscuros, sobretodo en el alegato de la mujer en la sala de juicios, en donde ilumina a la protagonista a la vez que oscurece la sala. Ford se mueve como pez en el agua con este tipo de planos, dejando constancia de que no sólo vive de los planos generales.
La historia es un canto al heroicismo de un sargento con una intachable hoja de servicios, una muestra más de que un hombre negro es capaz de ser todo un caballero, un auténtico líder de su regimiento que no sólo infunde respeto, sino también amistad. Quizá por estar narrada en flash-back, la historia no avanza a la velocidad deseada, pero Ford sabe intercalar perfectamente lo que acontece en la sala de juicios.
En esa sala, vemos toques humorísticos (esos vasos de whisky) discusiones acaloradas entre el abogado y el fiscal y un ejemplo de personas racistas e ignorantes: el grupo de señoronas de clase alta con sus sombreros, sus trajes impolutos y sus abanicos, que no dejan de chismorrear durante el juicio. Resultan muy cargantes, pero a la vez necesarias para mostrar la estulticia de las personas con prejuicios racistas.
En cuanto a las interpretaciones, destacar a Constance Towers, una guapa señorita solitaria que se ve en peligro. Willis Bouchey, un curioso juez que no deja de beber whisky y que se ve abrumado por las tonterías de las ya mencionadas señoronas (entre ellas su mujer) pero que tiene un gran sentido de la justicia.
Gran Jeffrey Hunter como abogado defensor. Durante la historia principal, observamos que es un hombre con principios férreos, enamoradizo, que debe traicionarlos por su sentido del deber. Pero, en la sala, muestra una gran verborrea para defender a su amigo.
Y, finalmente, Woody Strode. El eterno actor secundario de películas tan legendarias como Espartaco, El Hombre que Mató a Liberty Valance o Hasta que Llegó su Hora, tuvo en esta cinta su particular premio, un papel protagonista. Lo que resulta extraño es que no obtuviera más papeles de ésta índole, dada su enorme actuación. Un caballero auténtico, un hombre que tiene una enorme lealtad a su regimiento, el 9º de caballería, y, sobre todo, un tipo al que le importan los demás. Tiene una gran amistad con todos sus hombres a los que protege y lidera y, a su vez, ellos le tienen un gran respeto y admiración. Sabe que ser negro en un juicio es lo peor que le podía pasar, pero defenderá su inocencia.
Para terminar, destacar esa gran BSO, en especial la canción Captain Buffalo, genial en los títulos de inicio y emotiva cuando la entonan por la noche los hombres del sargento Rutledge.
El Sargento Negro es una gran película antiracista, que vuelve a desmentir los mitos del cine de Ford, en donde el maestro da una nueva vuelta de tuerca al western.

9 (Acojonante, tiiiiiiiiiiio)

LA LISTA NEGRA

HARRY CALLAHAN SE DESPIDE

La Lista Negra es la última entrega de las aventuras de nuestro inspector de policía favorito, el glorioso Harry Callahan.
Sin duda, ésta resulta ser la cinta más convencional de toda la saga, una concesión a la taquilla y al gran público.
Destacar la buena crítica, aunque no demasiado punzante, que realiza sobre el periodismo, en concreto sobre esa prensa amarilla sensacionalista, a la que sólo le importa vender un buen montón de ejemplares, sin tener en cuenta la importancia de la noticia en cuestión.
La acción sigue siendo tan buena como en las demás entregas, destacando ese portentoso final arpón en mano.
En las actuaciones, breve papel freak de Jim Carrey cantando Welcome to the Jungle; curioso Liam Neeson como director de pelis de serie B de terror; Patricia Clarkson seductora y un Clint en su línea, sacando sus míticas frases a relucir a la menor ocasión.
Sin más, La Lista Negra es un buen final para una enorme saga, pero que tampoco es que sea una película impresionante.

7 (Vamos ahi!!!)

EL DESAFÍO DE LAS ÁGUILAS

EL ESPIONAJE EN LA GUERRA

El Desafío de las Águilas es una excelente película bélica del director Brian G. Hutton.
El film se divide perfectamente en dos partes. En la primera nos narra el entrenamiento y el plan de ataque de unos soldados ingleses que deben asaltar un castillo para liberar a un general americano preso en un castillo, que es una enorme fortaleza. Destaca en esta parte la buena planificación, cómo poco a poco los soldados se van adentrado en territorio enemigo y desarrollan su ingenio para poder colarse en las entrañas del castillo. Apenas hay acción, la justa y necesaria, predomina un guión lleno de buenos diálogos que nos adentran en la historia.
La segunda parte empieza en el momento en el que los británicos llegan al corazón del castillo. A partir de ese punto se desata toda la acción de la pelíucla. Una incesante lluvia de balas más propia del cine de los años 80 que otra cosa, explosiones, situaciones límite etc. Toda ello rodado con sobriedad, con algún que otro exceso, que más bien resulta un poco ida de olla del director. Sin duda se agradece ver un montón de disparos, aunque quizá hubiera sido mejor que no estuvieran tan concentrados.
El punto negro que se le puede encontrar la película (al margen de pequeñas flipadas) es que los personajes secundarios apenas están desarrollados. Una lástima, porque la trama en la primera hora y media era más que interesante, en la cual se debería haber ahondado más en los aspectos psicológicos del escuadrón británico, pero todo ello se desarrolla en beneficio del guión.
En cuanto a las actuaciones, destaca la pareja protagonista. Una estrella emergente por aquél entonces era Clint Eastwood, que no realiza una actuación memorable, pero que deja ver una vez más su enorme carisma y presencia. Un tipo parco en palabras que es el brazo ejecutor aliado. Richard Burton es, sin duda, el claro protagonista, al ser la superestrella. Lleva todo el peso de la cinta, es el cerebro del plan, el hombre que maneja los hilos. Su liderazgo es incontestable e intentará llevar a los suyos a la victoria.
El Desafío de las Águilas es una sobresaliente película de espionaje bélico, deudora del formato de asalto a una fortaleza de Doce del Patíbulo y preludio de la otra gran obra del binomio Hutton- Eastwood, la sensacional Los Violentos de Kelly.

9 (acojonante, tiiiio)

EL ÚLTIMO BOY SCOUT

PUTA DUREZA

El Último Boy Scout es una excelente película de acción dirigida por el tan cacareado Tony Scott.
La cinta es puro entretenimiento. El argumento en sí es lo de menos, un detective privado y un ex-jugador de fútbol americano se alían para dar caza a los que asesinaron a la novia del último. En este film encontraremos lo mejor del cine de acción: grandes peleas, muchos disparos, explosiones, persecuciones, situaciones límite y, sobre todo, frases lapidarias. Frases míticas que redondean escenas de por sí geniales. Puedes coger cualquier diálogo de la cinta, es una sobrada contínua, una chulería y una dureza impresionantes. Solamente citaré una frase que resume muy bien el espíritu de la película (por no alargar innecesariamente una crítica que no lo necesita): Y si me tocas te mato.
En cuanto al reparto, gran Taylor Negron como ese malo repelente que da bastante asco. Muy bien Damon Waynas como el clásico compañero de correrías, que se muestra duro al principio y que, posteriormente, se ve que es un tipo bastante corriente con un montón de problemas.
Y Bruce Willis. Porque más de la mitad de la película es Bruce Willis. Tras el rotundo éxito de las dos primeras entregas de La Jungla de Cristal, Willis volvió a interpretar a un personaje de similares caracterísitcas a las de John MClaine, un tipo sucio, malhablado, duro, cínico y con un enorme sentido del humor. Pero con su propio repertorio, porque este no es un clon de MClaine, es Joe Hallenbeck, un tipo con personalidad propia. Toda la cinta es un recital contínuo de Willis, donde puede lucirse a gusto y nos brinda otro personaje inolvidable.
Sólo he visto ésta cinta del hermanísimo de Ridley Scott, Tony. Y, aunque es pronto para compararles y que no parece que llegue a la genialidad del primero, lo que es bien cierto es que El Último Boy Scout es un auténtico películón de acción desde su delirante incio en el estadio lluvioso, hasta el final en el mismo estadio. Y que es una gozada verla.

9 (Acojonante, tiiiiiio)

Pero qué puto jefe, joder!!!!

Un ejemplo de una crítica mejorada, para que os deis cuenta de lo que es una crítica bastante mala a una decente (no es, ni mucho menos, una maravilla de crítica, pero bueno)

LOCK & STOCK

GRAN COMEDIA DE GANGSTERS

Primera obra de Guy Ritchie ambientada en Londres y consiguió hacer una gran película muy divertida.
Es más o menos el adelanto que hizo antes de realizar su obra maestra Snatch, así que no os perdáis ésta si no la habéis visto.
La historia es bien sencilla: un grupo de jóvenes reúne 100.000 libras para jugar al póker con el gángster clásico de la ciudad (el hacha) Al perderlo, deben reunir lo que le deben en menos de una semana.
Hay historias pararlelas dentro de la principal (típico de Ritchie) un camello negro, el hacha, atracadores de casas, gente que persigue a los chicos, etc.
Dosis de violencia gratituita, acción frenética, lenguaje soez, diálogos divertidos y muchas risas, hacen que esta peli merezca la pena ser vista para pasar un gran rato y contarla a tus amigos. No os la perdáis.


Y aquí va la mejora, bastante sustancial diría yo

LOCK 6 STOCK

GRAN COMEDIA DE GANGSTERS

Lock & Stock supone el debut en el cine del director británico Guy Ritchie.
Ritchie comienza pisando fuerte en este mundillo del cine, dejando una carta de presentación muy clara, un cine muy fresco, de lo que iba a ser varias de sus obras: en este film encontraremos gangsters barriobajeros londinenses, violencia gratuita, lenguaje soez, chistes por doquier que nos harán soltar la carcajada, estética videoclipera, acción frenética, dirección y ritmo de vértigo, buena B.S.O e historias paralelas. Todas las historias se mueven en torno a un objetivo: el dinero y esas dos viejas escopetas humeantes que valen una fortuna.
Esas historias tienen dos pilares fundamentales sobre los que se sostienen: grandes diálogos y mejores personajes. Ritchie utiliza un humor muy británico, corrosivo, que viéndolo en el doblaje español pierde un poco, aunque consigue mantener la risa del espectador.
Y, sobretodo, los personajes. Tenemos un grupo variopinto que se mueve en diferentes áreas pero con el mismo objetivo. Empezando por dos pringados a los que les venden unas escopetas que resultan ser del mayor gangster de la ciudad. Un grupo de camellos bastante inteligentes a la hora de hacer pasta, pero bastante torpes a la hora de la seguridad de su piso. En ellos encontraremos a un yonqui con una voz impresionante, que reúne a otro grupo para atracar el local. La banda de negros, liderada por Rory Breaker (gran actuación de Vas Blackwood) un traficante de marihuana con una voz aguda pero que la pone tremendamente grave cuando se cabrea. Su historial es acojonante, destacando la anécdota del partido de fútbol, con el que consigue infundir un gran respeto. Lidera a un grupo de camellos a gran escala, que irán a por los camellos del piso que les han robado la marihuana.
Por otro lado tenemos al cuarteto protagonista. Encabezados por el entonces priemrizo Jason Stratham, pierden una partida de póker con El Hacha e intentarán conseguir el dinero que le deben por cualquier método. Son bastante pringados, el que dicen que está gordo, otro es adicto, el experto jugador de cartas y el loco. Un grupo la mar de interesante. Y el padre del jugador de cartas es ni más ni menos que Sting, un tipo duro que acojona a todos.
Pero, los que más destacan (al margen de Vas Blackwood, claro está) son los poderosos. P.H. Moriarty es El Hacha, el hombre más poderoso de la ciudad. Nadie se enfrenta a él, tiene atemorizada a toda Londres y, si le debes pasta, debes huir corriendo. Un tipo duro donde los haya. Y, su asesino, Vinnie Jones. Con su enorme envergadura y su mala leche, es un tipo violento, que no duda en dar palizas para conseguir lo que quiere. Eso sí, las formas no las pierde nunca y no quiere que nadie diga tacos delante de su hijo, lo que resulta completamente irónico cuando el chaval ve a su padre comportarse de una manera brutal.
Lock & Stock sentó las bases del cine de Guy Ritchie, pero no sólo eso, es una gran película muy recomendable para todos los amantes de las comedias de gangsters.


En ambos casos, se lleva el 9